Safari

Für die meisten Menschen geschieht das Sehen einfach. Von meiner Terrasse aus habe ich einen Blick auf die Innenstadt von Los Angeles, den ich täglich auf eine gleichgültige Weise bewundere. Ich mag, wie das Terrakottadach meines Nachbarn die Silhouetten der Wolkenkratzer in weiter Ferne hervorhebt und wie die dunkle mittlere Entfernung nachts zu einer Fassade aus punktuellen Lichtern abfällt. Aber ich habe mich nie gedrängt gefühlt, etwas dagegen zu unternehmen. Manchmal frage ich mich, ob mein Blick anders wäre, wenn ich Fotograf wäre, ob mein Sehen anders wäre. Fotografie ist heute so vielfältig – besonders in der Kunst, wo interne Überlegungen den Fokus auf Fragen von Konzept und Technik legen –, dass man die grundlegendere Erkenntnis verzeihen mag, dass das Sehen, verschiedene Arten des Sehens, nach wie vor ihr zentraler Kern ist. Einige Fotografen schauen schnell, lassen die Welt in "entscheidenden Momenten" auf sich zukommen. Andere stellen die Welt methodisch zusammen, als wären die Bilder der Welt bereits in ihren Augen präsent. Zumindest sind das die Klischees. In Wirklichkeit sind Lassen und Stellen selten so gegensätzlich.

In Anders Edstroms Safari-Fotografien beispielsweise offenbart ein langsames, bewusstes Betrachten, ein auf ein einzelnes Motiv fokussiertes Schauen, ein Schauen, das nach allem Anschein die Außenwelt fernhält, dennoch ein Bild von Offenheit, das man eher von Straßen- oder Landschaftsfotografie erwarten würde, Genres, die von Zeit, Kontext, Ereignis und Wandel geprägt sind. Aber was verändert sich in diesen Safari-Bildern? Haben sie Zeit oder Kontext? Was ist ihre Welt?

Auf der einfachen Ebene des Themas ist dies nicht die Welt, die Edstrom typischerweise darstellt, die trotz einer charakteristischen Unschärfe – als ob die Luft und das Licht, die er sucht, partikelförmig, dicht oder tastbar wären – eine von Menschen und Umgebungen ist, die interagieren. Noch mehr als seine zarten häuslichen Tableaus oder alltäglichen Porträts sind die Safari-Bilder, die über einen Zeitraum von zwei Jahren von 2002 bis 2004 entstanden sind, innen: die Szene, offenbar ein Studio oder ein Arbeitstisch, der Bereich nah. So nah, dass man, bevor man versteht, dass sie Tropfen oder Farbpfützen auf Papier zeigen, zunächst ein Gefühl von Abstraktion hat. Das weiche, vorhandene Licht, das die emaillierten Pigmente durchdringt, selbst Schwingungen von erdigen Ockertönen, verbrannten Grüntönen, Grautönen und Rostfarben, suggeriert eine serielle Darstellung von Substanz, die zur Oberfläche wird – eine Bewegung zwischen Politur, Glasur und Flüssigkeit auf der einen Seite und Rauheit, Textur und Mineral auf der anderen. Das Vergnügen für mich liegt darin, zu erkennen, dass Edstroms formale und materielle Reduktion hier nicht anders ist als anderswo in seinem Werk. Das Thema, was auch immer es ist, dient nur der Sensibilität.

Die Beschreibung des Letzteren führt uns weit weg von der Intimität von Safari, und ich werde nur sagen, dass Edstrom ein Fotograf ist, der stark von seiner Mobilität beeinflusst ist, wie der Titel dieses Werks andeuten mag. Geprägt durch seinen Aufenthalt in Tokio ebenso wie durch seine Erziehung in Schweden, spiegelt seine Arbeit die Zufälligkeiten des zeitgenössischen Lebens wider (Modeaufnahmen sind ein Grundpfeiler seiner Fotografie) ebenso wie eine Faszination für die langsame Natur. Man könnte anderswo über die Parallelen dieser Fotografien zu den traditionellen Künsten des Bonsai oder Ikebana schreiben, ihre scheinbare Kultivierung von Zufallszeit oder alternativ zum europäischen Romantizismus ihres seitlichen Lichts und Settings. Aber kulturelle Interpretationen sollten erst nachträglich kommen und nicht als Rechtfertigung dienen. Ist Farbe für einen Fotografen ein wildes Tier? Vielleicht. Wahrscheinlicher ist, dass sie eine Figur des mentalen oder symbolischen Raums ist, die durch das Sehen begegnet wird. Safari interieur.

- Bennett Simpson